In Memóriam

El 1 de mayo próximo pasado falleció en esta capital Ángel Lasala, compositor, pianista y pedagogo, quien fuera una figura muy querida del ambiente musical argentino. A lo largo de sus casi ochenta y seis años de vida se consagró por entero a su arte desde variados puestos de trabajo. Fue asesor musical de la Dirección General de Radiodifusión del Estado (1945-1969), Vicerrector del Conservatorio Nacional de Música “Carlos López Buchardo” (1965-1966), Director del Conservatorio Municipal de Música “Manuel de Falla” (1976-1984), Presidente de la Asociación Argentina de Compositores (1961-1963, 1967-1969 y 1981-1984) y Presidente de la Academia Argentina de Música (1998-2000).
Su vínculo con esta disciplina lo estableció a muy temprana edad. Inició su formación en la Escuela de Música de La Prensa, en donde obtuvo los títulos de Profesor de Música (1930) y de Piano (1932), y tomó lecciones de violín. Tras desempeñarse exitosamente como pianista, se dedicó de lleno a estudiar composición en el Conservatorio Nacional de Música y Declamación con José Gil y Athos Palma. Al egresar, continuó su perfeccionamiento en forma particular junto a este último maestro y comenzó su labor pedagógica en establecimientos primarios y secundarios dependientes del Ministerio de Educación. Por esa época concibió muchas de las páginas didácticas que fueron aprobadas por el Consejo Nacional en la materia y publicadas por Ricordi Americana. Entre ellas podemos mencionar Canción escolar [1], encargada por el Consejo y premiada por la citada editorial, en 1936. Además,  Obras Corales [2], en cuyo prefacio señaló

Lasala tuvo a su cargo la cátedra de coro de la Escuela de Coros y Orquesta (1945-1979). Más tarde, pasaría a ejercer la docencia en la Escuela General Lemos (Contrapunto y Fuga, 1967-1969), el Conservatorio Nacional (Rítmica Contemporánea y Armonía; 1955-1979) y el Conservatorio Municipal (Conjunto de Cámara; 1969-1984).
En 1960, becado por el gobierno del Brasil, tuvo la oportunidad de tomar contacto y profundizar sus conocimientos sobre planes de estudio de los diferentes niveles del sistema educativo musical del país hermano y en la organización de radiodifusoras y televisión. Además, dictó cursos y conferencias, y realizó un importante intercambio de obras de compositores argentinos y brasileños en el ámbito oficial.
Lasala actuó en repetidas oportunidades como jurado en concursos de la Secretaría de Cultura de la Nación, el Fondo Nacional de las Artes, la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires, el Instituto Superior de Música de Santa Fe, Instituto Superior de Música de Mendoza, Asociación Wagneriana de Buenos Aires, Instituto Panamericano de Montevideo (Uruguay), etc.
Paralelamente, su labor en el terreno de la composición alcanzaba un lugar de privilegio. La leyenda coreográfica Chasca Ñahui [3], compuesta cuando sólo contaba con veinticinco años de edad, recibió el Premio Municipal de la Ciudad de Buenos Aires (1941), y con ello una fecha cierta de estreno en el Teatro Colón. La obra se representó con coreografía de Margarita Wallmann, bajo la dirección orquestal de Roberto Kinsky (11-08-1944). El papel principal – Chasca Ñahui (la joven imilla) - lo encarnó María Ruanova. Esta interesante pintura del altiplano, en donde se mezclan mitos y leyendas de la cosmogonía quechua, obtuvo en 1945 otro Premio, el de la Comisión Nacional de Cultura, y volvió a subir a escena en el Teatro Colón. Según la Dra. Pola Suárez de Urtubey [4], 

El éxito se repitió con su segundo y último ballet. Por Achalay [5] (1947-1950), Lasala mereció nuevamente un Premio de la Municipalidad (1960), pero curiosamente este no se hizo efectivo, dado que hasta el momento no alcanzó la representación correspondiente en el Teatro Colón. De la obra sólo pudo conocerse una suite sinfónico – coral que a criterio de Carlos Suffern [6] ostenta 

Pero con excepción de estas dos partituras, hasta la década del ’60 Lasala se avocó a la música para solista (piano, guitarra, violonchelo) y para conjunto de cámara de variadas combinaciones instrumentales y vocales. Dentro de éste último género se destacan las Canciones argentinas [7] (1936), el Cuarteto de Cuerdas Nº 1 [8] (1939) y el Trío Nº 1 [9] (De las serranías; 1944), laureadas por la Municipalidad, respectivamente, en 1938, 1944 y 1945. Las Canciones Norteñas [10] (1940) fueron premiadas por la Comisión Nacional de Cultura, en 1940, y el Cuarteto de Cuerdas Nº 3 [11] (Homenaje a Alberto Williams; 1961) por la Asociación Wagneriana de Buenos Aires, en 1961.
Siendo uno de sus centros de interés la búsqueda de combinaciones tímbricas, en 1961 retomó la paleta orquestal con un Concierto para dos guitarras [12] ("Homenaje a Julián Aguirre”) y, en 1964, los Movimientos orquestales para piano solista [13].
A partir de la década del ’70 se sucedieron obras sinfónicas de mayor aliento motivadas, en algunos casos, por encargos: Cantata a San Martín de Porres [14] (1974); Quebrada [15] (1975), Poema Sinfónico comisionado por la Asociación Argentina de Compositores en su sexagésimo aniversario; Cantata Santa María de los Buenos Aires [16] (1979), encargo de la Municipalidad para conmemorar el cuarto centenario de la segunda fundación de la ciudad; Te Deum [17] (1989); y Cantata San Roque González de Santa Cruz [18] (1990).
Desde el punto de vista estético, Ángel Lasala fue uno de los pocos exponentes de la generación “del Centenario” [19] que no adhirió a las tendencias instituidas por el Grupo Renovación. Eligió el camino trazado por sus maestros, los músicos nacidos en la década del ’80. Al igual que éstos, cultivó el nacionalismo y el indigenismo; evocó a sus ancestros con páginas como Cantares españoles [20] (Homenaje a Turina; 1953); adhirió al universalismo musical con Homenajes [21] (1947) “A Juan Sebastián Bach” (Preludio y danza antigua) y “A Claudio Debussy” (Nocturno). Sin embargo, no titubeó en incorporar y adaptar a sus necesidades expresivas elementos nuevos como lo hizo en sus Escenas del Buenos Aires Colonial [22] (1982), para recitante, voces e instrumentos solistas, y cinta magnetofónica. Coincidimos con lo expresado por Carlos Suffern [23]